Il futuro del cinema indipendente: cosa deve sapere la nuova generazione

Che cos'è oggi il filmmaking indipendente? Significa raccontare storie che non possono aspettare. Storie che non possono aspettare grandi budget o che una grande casa di produzione dia il via libera al progetto. È il cinema di chi apre nuove strade, spinto dalla passione di prendere un'idea e trasformarla in un film.

In genere significa budget più contenuti, troupe ridotte, attrezzatura video accessibile e maggiore controllo creativo. Nessuna interferenza da parte dei tradizionali colossi dell'industria cinematografica che stabiliscono cosa sia commercialmente redditizio, né piani di lancio e marketing confezionati su misura per il prossimo blockbuster.

Ogni anno, una nuova generazione di filmmaker indipendenti sale alla ribalta al Raindance Film Festival, presentando opere prime e seconde a un pubblico desideroso di scoprire qualcosa di nuovo. Cortometraggi, lungometraggi, commedie, horror, commedie horror: tutto concentrato in dieci giorni all'insegna del cinema.

Nell'era dei contenuti generati dall'AI, dei social media e dei cambiamenti economici, il dibattito sul filmmaking è cambiato, ma la voglia di cinema è rimasta intatta. "I pezzi grossi sono a corto di idee e guardano al mondo indipendente per trovare le vere gemme", afferma Elliot Grove, fondatore di Raindance e BIFA, che insieme alla sua partner Suzanne Ballantyne ha ricevuto la Medal of Honour dei British Citizen Awards per i servizi resi alle arti.

Tristan Loraine ha lavorato per 20 anni come pilota di linea, prima che problemi di salute causati dall'esposizione all'aria tossica in cabina lo costringessero a ritirarsi. Senza alcuna esperienza nel mondo del cinema, ma con una storia che sentiva il bisogno di raccontare, si rivolse a Elliot per chiedergli come realizzare un film. Il suo primo documentario, Welcome Aboard Toxic Airlines (2007), portò a chiedere l'apertura di un'inchiesta pubblica sulla qualità dell'aria in cabina.

Haris Zambarloukos, acclamato direttore della fotografia che ha lavorato a film come Beetlejuice Beetlejuice (2024), Locke (2013) e molti altri, afferma: "Oggi abbiamo a disposizione molti più strumenti per girare un film rispetto a quando ho iniziato e credo anche che la community cinematografica sia molto più ampia rispetto ai miei primi anni". Sebbene l'attrezzatura Canon più adatta possa aiutare chi si occupa di cinematografia a raggiungere nuovi livelli di qualità, Ben Morse, Content and Creative Manager di Canon Europe, sottolinea: "Abbiamo incontrato filmmaker che hanno realizzato film praticamente con ogni fotocamera che abbiamo mai prodotto. Lo strumento non conta: è semplicemente il mezzo attraverso cui raccontare la storia".

Per il suo cortometraggio più recente, A Girl Called Alice (2026), Tristan voleva ottenere riprese di qualità cinematografica con una configurazione leggera e mobile, che gli consentisse di muoversi rapidamente nelle affollate strade di Londra. Niente dolly, nessun permesso per chiudere le strade: solo una piccola troupe affiatata. La soluzione? Canon EOS C80 su un gimbal DJI. Il risultato? Per usare le sue parole: "Accidenti, ha davvero superato ogni aspettativa".

Il dibattito sull'intelligenza artificiale nel filmmaking indipendente è caratterizzato più dalla cautela che dal rifiuto. Per molti filmmaker indipendenti, la scelta di integrare o meno l'AI nel processo dipende dalle preferenze personali. Ciò che conta soprattutto è il modo in cui viene utilizzata. Gli strumenti di editing basati sull'AI possono far risparmiare molto tempo, ma questa comodità può avere un prezzo: il rischio di perdere quella voce originale che aveva spinto il filmmaker a raccontare quella storia fin dall'inizio.

Al Festival di Cannes del 2026, Tristan ha incontrato i fondatori di Human Made, un'iniziativa che, nell'era dell'AI, certifica i film come realizzati interamente da esseri umani. Poche settimane dopo, il suo cortometraggio A Girl Called Alice è diventato il primo film a essere proiettato con il logo Human Made. Tristan stesso ammette di utilizzare quotidianamente l'AI in ufficio e di riconoscerne il valore come strumento di ricerca. Ma quando si tratta di chi debba effettivamente realizzare i film che guardiamo, la sua posizione è chiara: "A guardarli sono esseri umani e mi piace che siano gli esseri umani a realizzarli".

Secondo Haris Zambarloukos, è fondamentale che tutti i membri di una troupe lavorino nella stessa direzione: "La maggiore perdita di tempo, denaro o energie deriva da una comunicazione inefficace". Coinvolgere chi si occupa della produzione nella pianificazione creativa fin dall'inizio permette di prevenire molti dei problemi di budget e logistici che altrimenti emergerebbero in seguito. Non riguarda soltanto la produzione. Oggi la collaborazione tra i diversi reparti è maggiore e contribuisce a rendere l'intero progetto più coeso. "Se chi si occupa dei costumi ha svolto delle ricerche, voglio vederle", afferma. È un'abitudine che lo aiuta a costruire l'identità visiva del film, facendo sì che ogni elemento contribuisca in modo armonioso al risultato finale. La nuova era del filmmaking è più collaborativa: si lavora meno a compartimenti stagni e si uniscono maggiormente le forze per individuare criticità e opportunità molto prima che le telecamere inizino a girare.

"Non credo che la vera difficoltà sia riuscire a realizzare un film, ma riuscire a farlo vedere", spiega Haris. Realizzare un film non è mai stato così accessibile, ma la distribuzione si è frammentata e oggi il pubblico ha a disposizione molti più modi per guardarlo.

YouTube e Netflix sono ormai alternative consolidate al cinema e alla televisione tradizionale, anche grazie al notevole salto di qualità degli schermi. Che si tratti di un laptop, di un tablet o persino dello smartphone che abbiamo in mano, oggi è possibile guardare film in High Dynamic Range anche durante il tragitto verso l'ufficio.

Secondo Haris, ciò che deve cambiare è lo snobismo ancora legato al modo in cui si guardano i film, che colloca la sala cinematografica in cima a una gerarchia immaginaria e lo schermo di uno smartphone quasi in fondo. Ciò che conta non è come o dove il pubblico scopre un film, ma ciò che quel film ha da dire quando finalmente lo guarda.

I festival cinematografici non offrono soltanto ai filmmaker l'opportunità di far conoscere il proprio lavoro, ma permettono anche di osservare più da vicino l'evoluzione dell'intero settore, cosa funziona e quali nuove voci stanno riuscendo a emergere. Raindance, il più grande festival di cinema indipendente del Regno Unito, rappresenta spesso un trampolino di lancio per i filmmaker, dando loro la fiducia necessaria per andare avanti e continuare ad affinare la propria arte. "Il cinema indipendente è il laboratorio per eccellenza del cinema. È il luogo in cui si sperimentano nuove idee, si fallisce clamorosamente e si ottengono successi straordinari", afferma Elliot.

Presentare il proprio film in anteprima a un festival come Raindance può conferirgli una credibilità difficile da ottenere altrove. Come spiega Tristan: "Aiuta a far conoscere il film. Gli altri festival guardano dove è stato presentato in anteprima e, se vedono Raindance, ci fanno caso". Per chi muove i primi passi nel filmmaking senza avere contatti nel settore, può fare una grande differenza. I festival sono inoltre luoghi preziosi per fare networking, incontrare persone con interessi affini, trovare investitori e persino entrare in contatto con aziende disposte a prestare attrezzatura o a sostenere un progetto.

Alcuni filmmaker di oggi costruiscono prima il proprio pubblico e solo in seguito realizzano i film. Elliot Grove ha osservato che spesso chi riesce ad affermarsi porta avanti più attività contemporaneamente: insegna, scrive e trova nuovi modi per promuovere il proprio lavoro al di là del film stesso. Ed è qui che entrano in gioco anche i social media: che si tratti di parlare su Instagram di tecniche creative, condividere il proprio linguaggio visivo o persino aprire una newsletter su Substack per permettere agli sceneggiatori di condividere i propri lavori in corso. Personal branding, creazione di una community e spirito imprenditoriale sono competenze sempre più importanti per i filmmaker indipendenti. Come sintetizza Elliot: "Il segreto per avere successo è diventare narratori, diventare narratori visivi".

Il filmmaking, indipendente o meno, è ormai multipiattaforma, più collaborativo e più accessibile che mai. Il filmmaking indipendente gode di ottima salute. Come afferma Ben Morse: "Il cinema indipendente è come la musica punk. Ci sarà sempre qualcosa che si contrappone al mainstream". Senza di esso, in quale altro modo le voci più autentiche, quelle che sentono il bisogno di farsi ascoltare e di cambiare il mondo, potrebbero raggiungere un pubblico più ampio? Tristan Loraine lo ha visto in prima persona: "Trovarsi in una sala cinematografica è il modo più potente per convincere le persone a fare qualcosa".